La galería Chelsea muestra reacciones de desafío a la sexualidad femenina

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24 de Mar, 2020 . Más de veinte años después, las mujeres que exploran la sexualidad femenina están reformulando esa pregunta por completo. Dos espectáculos en Chelsea exhiben los resultados estimulantes de ese trabajo, a través de dos métodos totalmente diferentes. "Spread" de Jessica Stoller en PPOW usa porcelana fina para alardear como tesoro de lo que se les ha dicho a las mujeres que oculten: su cuerpo, su edad y su sexualidad. A solo una cuadra de distancia, el espectáculo de pintura de Katarina Riesing, "Razor Burn", en Asya Geisberg, emplea formas de V repetidas dentro de sus primeros planos del cuerpo femenino para evocar inquietud voyeurista. Ambas exposiciones demuestran que ahora más que nunca, las mujeres, no los hombres, están definiendo los términos de su arte y cómo será visto.

La perspectiva femenina podría articularse de manera más agresiva en PPOW, donde Stoller combina medios artesanales tradicionalmente centrados en las mujeres con porcelana fina. Esparcidos escasamente por el espacio de exhibición, sus figuras y vasos de porcelana se forman como vanos, pechos y pieles delicadamente decorados con flores y fauna. La pieza central del espectáculo, Bloom, presenta un jardín lleno de elementos del mundo natural que aluden a los genitales femeninos, nacidos entre las piernas de una mujer. En el centro, una bandeja se encuentra por encima de todo lo demás, como para indicar un regalo a los dioses.

Un ciclo de vida completo se desprende de esta pieza. Una serie de pezones montados en la pared, algunos adornados con cabello que se asemeja a ramas, hablan del aspecto nutritivo de la feminidad; cerca, un vaso en el que un vagabundo separa suavemente el encaje de forma vaginal alude al sexo y al nacimiento. La muerte nunca está fuera de la vista; Un aro de acolchado de cerámica enmarca la piel envejecida que ha sido acolchada y utiliza moscas como sujetadores.

Eso suena bastante asqueroso, pero casi todas las piezas del programa logran transformar el tabú en trofeo. Eso no quiere decir que no moleste. Sin título (Arpía), una embarcación con patas de garra y el torso de una mujer usa tentáculos de serpiente para arrojar cerdos, cabras y bebés a su boca en forma de canasta. Esta pieza, quizás más que ninguna otra, cae en el debate de tipo Yuskavage sobre apropiarse de una visión centrada en el hombre para su representación negativa de las mujeres como monstruos mitad humanos. Pero eso no me molesta, por la misma razón que el debate sobre las pinturas de Yuskavage parecía inútil: el arte que ignora a otros géneros tiende a ser aburrido.

Stoller no es aburrido, y tampoco lo es el trabajo de Riesing, quien encuentra una manera de aludir a la vagina en casi todas las pinturas y dibujos a la vista. Sus cuerpos, en primer plano y adornados con telas transparentes, juegan con el espacio positivo y negativo. Una abertura en forma de V en una camiseta sugiere un puerto, mientras que el forro de pantie en forma de almendra en un par de medias plantea una barrera de entrada. Juntos, se refieren al mundo real, que acoge con beneplácito el trabajo y el sexo de las mujeres, pero ofrece pocas oportunidades de progreso.

En manos de Riesing, el cuerpo femenino se ilumina cuando se toca. Trozos de piel rojiza alrededor de las piernas y la entrepierna casi brillan y una camisa blanca acanalada delicadamente pintada parece salirse del arcón de una niñera. En algunos trabajos, particularmente aquellos en los que la niñera presiona sus piernas juntas y las manos se deslizan sobre las extremidades para separarlas, la tensión sexual se siente casi palpable. En otros, el rojo se convierte en erupción y la repulsión se hace cargo. Los modelos de Riesing nunca se reducen a simples cuerpos (tienen deseos y necesidades), aunque se pueden reducir a la forma. Una pintura consiste solo en una serie de patas que se extienden sucesivamente cada vez menos separadas. Como todo lo demás, se parece a una vagina, solo esta ofrece una perspectiva de primer plano.

Aunque juguetón, podría ser el único trabajo que podría prescindir. Si bien aprecio el deseo de ofrecer una visión completa de la forma de la entrepierna, ya estamos en la ciudad de la vagina. Es la única pieza donde sentí que el propósito de la pintura era llevarme a un lugar donde ya había estado, en lugar de a un lugar nuevo.

Sin embargo, ningún espectáculo contiene un trabajo perfectamente consistente, especialmente aquellos que desafían a los espectadores arrojando episodios de lo extrañamente apetecible. Es posible que hayamos pasado los días en que los trabajos de Stoller o Riesing generarán controversia, pero no son menos atrevidos. En la era de #metoo, los campos de batalla han cambiado, pero las mujeres están encontrando más agencia que nunca al definir la identidad sexual desde el interior de la galería.